CONTEXTOS Y SISTEMAS DEL ARTE – PRESENTACIÓN

Presentación 15/09/2021

Seminario de contextos y sistemas del arte (he tenido un percance con el video y prefiero subir mi presentación así, disculpen..)

Hola soy Alejandro tengo 32 años y es mi segundo año en la uoc. Éste seminario es la única asignatura teórica de peso que elegí para éste semestre y estoy bastante contento. Cuando leí el plan de estudios me pareció que enmarcaba de manera concreta el tipo de práctica artística que quiero desarrollar durante el grado.

Solo consideraba el contexto histórico como influencia fundacional de la obra. Pero también existe la necesidad humana de saber cual es el motivo que propicia el origen (la causa – efecto), el agente contextual que propicia el impulso creativo. Por ejemplo en el arte del Paleolítico no hay fuentes o referentes, pero el estudio de las relaciones humanas interpreta la circunstancia que impulsó la realización de esa obra.

 

En cuanto a las pec´s me parecen que están planteadas de manera acertada, comenzar haciendo un diagrama me parece muy correcto, porque así ves un desarrollo del aprendizaje. Seguramente conforme suceda el seminario recurres a él, lo modificas, amplias, etc.. Siendo consciente del desarrollo de la asignatura.

Por otra parte resulta interesante que en una obra con tantos actantes como en Guernica y en un ambiente tan convulso como el de principio de siglo, investigar a través de su archivo y extraer información que le otorgue aun mas sentido o incluso otros sentidos En cualquier caso los diferentes puntos de vista desde donde se estudia la sociología, nos abre un abanico donde nosotros nos podamos posicionar y valorar los contextos que rodean a cada pensador. En el caso de la tercera actividad. En la última pec, poder estudiar de manera concreta a cada uno de esos agentes que impulsan la creatividad de un movimiento o artista puede ser muy interesante.

 

Principalmente el objetivo para con éste seminario es valorar y ensalzar los agentes mas característicos en una obra. Soy artista plástico y mi proceso creativo se alimenta mucho de mi entorno y la situación en la que vivo. Ahora me encuentro en un momento de vuelta a los orígenes, de pensar de donde vengo y qué hice para estar aquí de nuevo. Además encontré una poética en mi origen geográfico que tiene mucho que decir en mi obra, entonces saber de donde toma el abono ésta semilla y darle la importancia que se merece es crucial. Así el espectador aprende y es consciente de lo importante que es para la obra, y por supuesto para mí. Porque como ha dicho el profesor la obra no existe de forma aislada.

 

Gracias..Un saludo

PROYECTO I – ZURRONES

ZURRONES

Loneta y terracota / 130 x 200 cm
Mayo 2021
Alejandro Escribano Ocaña

 

 

 

 

Se trata de una instalación escultórica donde dialoga la tradición y la identidad. Siempre me han interesado los objetos que sirven para transportar cosas y darles un significado sensible. Me sirvo de la tradición y su uso. Neutralizaros les arrebata toda la carga tradicional que portan (bordados, materiales, pátina del tiempo, etc…) y queda su parte funcional. Son 30 bolsas en loneta cruda, dispuestas sobre el muro en tres filas. Emulan a los zurrones de los trabajadores agrarios donde portaban los víveres para pasar el día. Hoy se relaciona con una forma de vida muy distinta a la de su origen. He querido representar este fetiche neutralizando el sentido folclorista que es en si mismo y otorgando un significado sensible. Ahora se trata de un símbolo que caracteriza la vida en la ciudad, llevar una mentalidad sostenible y casi seña una de identidad moderna la bolsa de tela, tote bag, chivata o zurrón como se ha llamado toda la vida en La Mancha.

 

 

Su contenido, 30 gestos en tierra cocida que inmortalizan la energía que realizas dentro del zurrón cuando introduces la mano y la cierras para agarrar algo o para agarrar nada. Son de una arcilla roja muy representativa de La Mancha. 30 amuletos de un momento fundacional en la sabiduría popular como algo que llevas contigo y que aprietas fuerte cuando quieres que te proteja. La importancia de los símbolos y su evolución cultural me genera mucha inquietud y me aporta información muy valiosa. Nunca se observa un objeto de la misma manera una vez que conoces su significado simbólico o su evolución a lo largo de las civilizaciones. Realizo búsquedas e investigaciones para obtener significados muy concretos de las cosas. Cada paso que he realizado me ha llevado mas cerca de la intención principal del proyecto, el origen.

 

 

 

La intención seria realizar una muestra de piezas con el mismo tratamiento (neutralizar su carga simbólica). En un lugar donde tengan sentido de ser, como entornos rurales. También que dialoge con otras esculturas llevadas a cabo específicamente para ello. Mientras realizaba estudios artísticos encontré una forma de expresar los conocimientos populares con una sensibilidad que ademas de funcionar poeticamente enseñaban algo al receptor. Por ejemplo, trabajé con los vientos que determinan la posición de las aspas de un molino, son 12 vientos, y los relacioné con el cuerpo humano mediante otro objeto que se usa para trasportar cosas, unas alforjas. Otro estudio formal se basaba en la relación personal con las herramientas de uso cotidiano, como son las navajas. Mediante un ejercicio relacional interpretaba la utilidad de la navaja (cortar) con lo que le aporta vida (la piedra de afilar). Las interpretaciones sorprendían. Previamente éstos trabajos llevaban detrás una investigación simbólica de los objetos intervenidos.

Mi propósito es disponerlos en museos locales o en espacios donde el entendimiento de los receptores valore el tratamiento sensible de los objetos. Conociendo las reacciones en entornos metropolitanos, también podrían funcionar con mucha naturalidad. Espero que a lo largo de esta asignatura pueda pulir y representar conocimientos, ya que el sistema planteado desde un principio y la forma de seguimiento desarrollan unos procesos que favorecen éste tipo de trabajos.

Alejandro E.

PROYECTO I – ZURRÓN

En estos momentos el trabajo se encuentra en un estado de reposo necesario, como señalaba Mireia Sallarés en su entrevista las ideas hay que dejarlas reposar. No tengo todo el tiempo del mundo pero si tengo todos los objetos que intervienen y con toda honestidad os lo voy a mostrar. Presento mi proyecto como parte de la sabiduría popular, donde cada paso que he realizado me ha llevado mas cerca del origen, que es la intención principal del proyecto. Se trata de una instalación escultórica donde dialoga la tradición y la identidad.

Zurrones

Prácticamente neutralizo la tradición mediante un elemento popular, lo intervengo despojándolo de toda información cultural. Al tratarse de un contenedor (un zurrón) el contenido adquiere un papel determinante, no es lo mismo que contenga una cosa que otra. Es donde entra la identidad. Para ello he realizado pequeños amuletos que condensan la energía de un instante que trasmite fortaleza y arraigo. Estoy seguro que si el tratamiento de arcilla fuera otro su significado cambiaría (además cuando trabajas con el barro, el resultado eres tú mismo, porque todo lo que sientes en ese momento se lo trasmites al material). Como estamos aferrados irremediablemente a las raíces, estos artefactos son un ejemplo de afirmación a uno mismo y de nuestro origen. Me viene a la mente una frase que repetía en la última etapa de estudiante de arte: “me duelen las raíces”. Era en el sentido físico más que poético. Ahora la expresión parece que adquiere sentido.

Contenido

En este punto voy a ofrecer lugar a sugerencias , aunque sostengo que las decisiones dependan de mi. Es un trabajo muy personal y a veces las recomendaciones resultan incomodas, o bien por desconocimiento o bien por frivolidad del emisor. Pienso que merezco emitir preguntas que solo yo pueda contestar. La fortaleza de las decisiones deben residir en uno mismo.

Detalle

Otra de las opciones que barajo para el contenido del zurrón son unos pequeños recipientes de arcilla que he realizado con el con torno cerámico. Pero me resulta que contienen una información que no deseo trasmitir. Los veo con una carga objetual demasiado pesada teniendo en cuenta que ya existe un objeto en la intervención, los zurrones. Adjunto una imagen de los lebrillos, que aunque estéticamente resultan favorecidos, en el discurso de mi mensaje los veo excesivos. Por eso los descarto.

Contenido descartado

Presentar el trabajo en estas condiciones supone para mi una reafirmación. Deseo generar conocimiento sensible, no una expresión personal. No tengo nada que quiera reservar o que no quiera enseñar. Aquí tienen toda la información y si genera algún tipo de incertidumbre no duden en hacérmela saber.

 

Alejandro E

Mayo 2021

PROYECTO I – VISIONADO DE VIDEOS

Tras el visionado de tres entrevistas a artistas investigadoras, saco varias conclusiones sobre el propio proceso creativo y la separación de disciplinas científicas y artísticas en la obra de arte.

Primero es que todas las disciplinas que manejan una metodología, sufren los mismos inconvenientes respecto a procesos, solución de problemas o respuestas a preguntas. Que puede ser el tiempo en el sentido de digerir tu propio proyecto para tomar decisiones al respecto.  También la adaptación a las circunstancias y convivir con la belleza del error. Los que se tratan de proyectos mas centrados en la consciencia y la investigación hablan del inconveniente económico como medio sustentador del proyecto. Y por último convivir con la dualidad de las hipótesis en el aspecto de centrar tu respuesta en una cuestión en concreto o poder dejarte llevar entre ellas.


El caso de Dora García, su metodología de proceso la basa en las lecturas, visitando archivos, investigando e incluso aprendiendo el idioma si lo requiere. Con esta información obtiene una temática que le ayuda a dar sentido a sus proyectos. Con ello afirma que no actúa sobre resultados sino mediante hipótesis (que pasaría si…).
En cuanto a los caminos que sigue, según los ejemplos que narra pueden sufrir los cambios y alteraciones que se basan el la cantidad de información que maneja. También habla sobre las circunstancias que construyen su relato creativo demostrando de que se tratan de caminos que se ajustan a la línea narrativa que quiere trasmitir en sus obras, ya que todas sus obras se culminan con un libro y una exposición. Por lo tanto no son lineales, sino que se ajustan a las circunstancias hipotéticas que se va encontrando en su investigación.

Habla del eureka como una constante en cualquier trabajo, que puede suponer mas o menos tiempo pero que surge de manera espontanea a base impulsos intelectuales. También señala la importancia de la educación artística como base fundamental para reconocer un eureka y saber representarlo.
En cuanto a los errores Dora los plantea como adaptaciones a las circunstancias y que no existen errores si crees que hay aciertos. Otra reflexión que hace a cerca de los errores es que cambian de sentido en el momento que te impones una meta fijada previamente, aunque sirven como algo educacional.


Mara Diersen habla de una metodología de foro de profesionales o científicos, una idea clásica en el sentido de lugar de creación común. Donde los profesionales tengan una interacción, colaboren, dialoguen en el ámbito de la comprensión. También habla de un proceso de formación continuado, donde el aprendizaje es fundamental y la fluidez de información es necesaria. Me parece una metodología un poco agresiva en el sentido de competitividad, pero seguramente es acorde con los cánones que manejan los científicos.
En cuanto a los caminos encogidos, habla sobre la flexibilidad de ideas. Que muchas veces en una conversación con personas ajenas al proceso te proporciona una perspectiva mas amplia (a lo que llama salir del nido). También aboga por el cruce de campos profesionales, que son caminos que le ayudan a visionar otras perspectivas. Y que el final del camino no se basa en un resultado concreto, o en una publicación a nivel científico, sino que se ha de valorar las cosas nuevas que surgen.
Su visión del error es mas constructiva que otra cosa. Primero de todo es en que nivel se trata de un error, para ello se le ha de dar un tratamiento de realidad desconocida o diferente, nunca como un resultado negativo. Que a lo mejor el error se trata de una formulación de la pregunta no adecuada, y no del resultado. Ella trata la frustración como una constante en la ciencia y asume el resultado negativo como un reto. Solo descarta los errores en caso de que se traten de un error metodológico.
Valora también la figura del revisor como parte constructiva del proyecto, que muchas veces por sentirse abordados de trabajo su misión es desmontar en vez de aportar a los proyectos. Para acabar me gusta mucho la evaluación personal que hace de su propio trabajo, centrándose en: la satisfacción intelectual, las puertas abiertas que ofrece a nuevas preguntas y la relevancia de sus investigaciones. También la reflexión final que hace sobre la ciencia rigurosa vs. el arte menos riguroso, solo se tratan de tipos de aproximaciones distintas pero que van por los mismos terrenos inexplorados de la obra inédita en el caso del arte o del experimento definitivo en el caso de la ciencia.


Por último la metodología que lleva a cabo Mirella Sallarés dentro de la investigación artística lo lleva por dos caminos. Uno se trataría de la etapa vital y orgánica que se trata de narrar la realidad circundante, mediante las relaciones personales y lo que escucha por los rincones. Podría ser un estudio de campo salvaje. Y por otro lado las limitaciones de la técnica, en su caso se usa de elementos tecnológicos como puede ser el vídeo y limita su lenguaje a las posibilidades que le puede dar el proceso de montaje. Es una metodología alterna el proceso creativo con el proceso de investigación. Ella realiza sus estudios de campo de una manera mas personal que se vé reflejado en la culminación de la obra mediante la interpretación.
El error para ella es algo que tu pensabas que iba a salir de un modo y sale de otro. Pero lo ve necesario como parte del proceso de aprendizaje para el crecimiento psicológico de las personas. Algo que se descontrola puede ser un error pero algo que sale demasiado bien también puede ser un error. La trasmisión de contrastes, los conflictos que puede generar y no posicionarse de una manera rígida en la técnica es donde reside la belleza según la artista.
[…] la belleza es convulsa o no es […] y si no tiene error es estéril […] me resultan dos afirmaciones sobre el arte muy interesantes y rebatibles en muchos aspectos.
La afirmación que realiza sobre el riesgo como un mantenerse en lo que quieres hacer sin obsesionarse en el fin, en el medio o en la identificación es hacer arte que abarque o cree inquietudes en otras disciplinas me parece muy acertado. Eso lo llama proceso transdisciplinar, que es atravesado por otras disciplinas y que no deja a nadie indiferente, habiendo heridos. Lo que realiza es un proceso científico de la creatividad, porque realiza hipótesis, tomando muestras (en su caso testimonios) y los deja reposar, haciendo del tiempo parte de la realidad.

 

El visionado de videos ha sido a través de la página de hangabdl.org.

Alejandro E. Abril 2021


PROYECTO I – DOCUMENTACIÓN DEL MÉTODO

En algún momento del transcurso de la asignatura me he sentido con la necesidad de mostrar todo aquello que almaceno en mi retentiva y que forma parte del proyecto sin aparecer de forma explicita. Al fin y al cabo son decisiones que descartas por que las respuestas generadas te derivan a otros términos.

La forma de documentar mi proceso son mediante las lecturas,  las vivencias, los paseos, las fotografías, el proceso de fabricación y la toma de decisiones para generar un elemento discursivo potente mediante el cual ordene mi poética y lo que quiero trasmitir con ella.

Empezamos con las lecturas. Confieso no ser un devorador de libros, porque me gusta mas estar con mi familia, hablar con mis amigos, tomarme un vino y estar con la gente que quiero, para obtener testimonios accesible mediante los cuales pueda trasmitir lo que deseo. Pero hace poco topé con el libro de una amiga mediante el cual narra la historia de su familia con un lenguaje muy enérgico y que me ayuda a interpretar mis orígenes desde otra perspectiva.

Feria | Circulo de Tiza

Ana Iris Simon, Feria. Circulo de tiza, Madrid, 2020.

Le sucede algo que me ocurrió a mi y es que cuando un manchego habla de su tierra y de sus raíces siempre enseña algo nuevo al receptor. Me pasó en parte de mi educación artística cuando hablaba del objeto y  del cuerpo. Realicé varias obras de relatos personales y cotidianos, que sorprendieron de gran manera sugiriendo un lenguaje inédito para mí.  Que es un poco lo que me está pasando ahora.

 

Las vivencias. Es aquello que vives. Que en mi situación enmarcan la obra, la limitan a nivel metodológico. Quero decir que voy hablar de ningún episodio que tenga una conexión directa con algo que he vivido. Mi proceso creativo sobrevive de la memoria. Y tengo grandes historias y  referentes familiares pero que si no he sentido esas esencias, me cuesta representarlas.

Los paseos. Soy un gran caminante. Creo ejercitar los dos hemisferios del cerebro cuando camina si un fin previsto. Que encuentro en el camino un lugar, como decía JOHN BRINCKERHOFF JACKSON, «Las carreteras ya no conducen simplemente a lugares, son lugares«.  A partir de éste simple acto se han desarrollado las mas importantes relaciones que el hombre ha establecido con el territorio.  Andar, orientarse, perderse, errabundear, sumergirse, vagar, adentrase, ir hacia delante.

Algunas fotos de mis caminos

Las fotografías. Tampoco soy buen fotógrafo pero el hecho de tener un teléfono móvil con cámara de fotos incorporada permite retratar de cualquier manera todo lo que me llama la intención. Por eso de éste proceso he tomado fotografías de mis paseos con elementos que forman parte del proceso. Lo veréis a continuación.

El proceso de fabricación que estoy abordando se basa en neutralizar un objeto cotidiano. Despojarle de su carga simbólica, para obtener solo el objeto, analizar su procedencia y usos. Lo he reproducido. Se trata de bolsas de tela  cosidas a mano por mi.

Son las bolsas que invaden los barrios alternativos de las capitales, las tote bags. Forman parte de una identidad, llevar una bolsa con publicidad de una escuela de arte, en mi caso te identificaba con ella, o de un festival, te identificaba con la música que te gusta.

Tote Bag de la escuela Massana de Barcelona

Pero su origen vienen de los zurrones que utilizaban los trabajadores del campo para llevar su almuerzo, bolsas de tela basta que portaban con algo de tocino, pan y unas frutas. A mi me trasladan a los orígenes, a la tierra de donde provengo.

Zurrón de mi familia utilizado en ámbito agrícola

He paseado con ellas y  las preguntas que me han surgido forman parte del proceso creativo. 

El contenido lo estoy tratando a través de la cerámica, que es otro de mis campos de trabajo, al principio las quería llenar de piedras seleccionadas en mis paseos, pero el espolio no esta previsto en mi proceso y el significado sería otro diverso al que quiero conseguir.

En estos momentos me encuentro anclado en la realización de objetos cerámicos que evoquen piedras rojas, lo folclorico y que tengan la medida de mi mano. He cogido barro rojo y los he modelado con la cavidad de mis manos, plasmando el negativo de las líneas de los nudillos. También he realizado unas vasijas en el torno cerámico a tamaño reducido que pueden ser parte del contenido de las bolsas. Estoy esperando los tiempos del horno compartido de cerámica, que en las próximas semanas darán su fruto.

Aquí me encuentro esperando que parte de las propuestas de esta asignatura me contesten a las preguntas procesuales que me rondan la cabeza. Espero les guste y en caso de sugerir algún tipo de referente o artista, ponerlo en comentarios.

Gracias..Un saludo

Alejandro E.

Abril 2021

 

PROYECTO I – ORIGEN II

Ahora voy a relacionar artistas que me orientan en el camino de la búsqueda, a nivel conceptual y a nivel plástico.

El trabajo de Javier Pérez  es esencialmente escultórico, definido en el tratamiento de la materia y el espacio. Sus obras se relacionan con experiencias por lo general traumáticas como tensión, inestabilidad por el cambio continuo, extrema desprotección, imposibilidad y deseo, o repulsión y dependencia, donde la materia juega un papel fundamental.
Tiene una obra que se llama Levitas que es un recorrido de bolas de vidrio soplado en las que se marcan huellas de pies. El vidrio como material tiene una conexión con el cuerpo humano desde su conformación, ya que se tiene que soplar a pulmón para convertir la materia en forma. En Levitas, la frágil sustancia de nuestro yo interior está encarnada por las esferas cristalinas. Parece estar marcando un camino único y que solo se puede realizar una vez. Cada pisada hace un lugar.

Levitas 1998 Técnica / Materiales Vidrio soplado Guggenheim Bilbao Museoa
Levitas 1998 Técnica / Materiales Vidrio soplado Guggenheim Bilbao Museoa

Por otra parte un artista que ha sabido registrar el paso del tiempo desde un punto de vista silencioso e inevitable, registrando su monotonía y haciendo de cada momento de su vida sea una obra de arte, es On Kawara.
Con bajo coste y elegancia visual, Kawara crea una compleja meditación sobre el tiempo, la existencia y la relación entre el arte y la vida.

On Kawara I Got Up, Tarjeta postal 1968-79

Considerado un trabajo personal e intimo, I GOT UP es parte de una pieza continua producida por On Kawara entre 1968 y 1979 en la que cada día el artista enviaba una postal, cada uno estampado con la hora exacta en que se levantó ese día y las direcciones tanto del remitente como del destinatario. La extensión varió desde una sola tarjeta hasta cientos enviadas consecutivamente durante un período de meses. La naturaleza repetitiva del gesto se ve contrarrestada por los movimientos del artista y sus horarios irregulares (solo en 1973 envió postales desde veintiocho ciudades). Además, las postales de Kawara no registran su despertar sino su “levantarse”, siendo una actividad mas existencial que física.

Al hacer un repaso por algunas de sus obras más conocidas nos encontramos con que toda la información que estas reúnen es ampliamente personal, compuestas en primera persona: el momento en el cual el artista comenzaba el día (I Got Up); lo que leía en la prensa diaria (I Read); dónde iba (I Went); las personas que veía (I Met). Si bien los registros son neutros o dicen muy poco en su forma, todos implican un registro cotidiano.
Un punto admirable de esta obra es su capacidad expansiva, es una manera de hacer llegar una intervención artística desde una parte del mundo y a otra.

 

Otro referente de intervención relacionada con el lugar y el tiempo son las obras realizadas en Hospital 106 4o 1a, nace en el año 1995, concebido por Isabel Banal, Ester Baulida, Jordi Canudas e Ignasi Estev. En la que el grupo de artistas desgrana la transformación sufrida por el barrio de El Raval de Barcelona durante los años 90. Destaco dos intervenciones una es la de “Bolsas de escombros”.

Se trata de la distribución de diez expositores con la edición de 2.000 ejemplares de bolsas de escombros del piso en diferentes puntos de la ciudad de Barcelona. A modo de dispensario el espectador se hacia portador de un fragmento del piso derruido. Y como referente postal “Devuelto Remitente. Se trataba del envío de una carta a la dirección calle del Hospital, 106, 4º 1ª de Barcelona. Esta carta se devolvía con el sello oficial “DEVUELTO REMITENTE”, especificando en el reverso, con la letra del cartero, el motivo de la devolución: “MARCHÓ”. Otra vez me resulta valorable el hecho de dispensar pequeñas partes de un todo y hacerlas llegar a cualquier lugar en forma de obra. 

Os invito a que miréis éste proyecto porque abarca temática muy interesante relacionada con el lugar y con el tiempo.  Isabel y Jordi fueron profesores míos y les tengo un gran aprecio.

Por otra parte las imágenes sugerentes de Félix González-Torres que ahora mismo tiene una gran retrospectiva en el MACBA. Donde sus perfectos amantes se sincronizan para dar la misma hora dos veces en el mismo lugar.

'Untitled (Perfect Lovers)', de Felix Gonzalez-Torres (1991)
‘Untitled (Perfect Lovers)’, de Felix Gonzalez-Torres 1991 MOMA

También destacar a Ramón Guillén Balmes, que con sus artefactos esenciales transforma las relaciones del cuerpo con los objetos y las necesidades de sus portadores.  Sus libretas de Model d´us recuerda al lenguaje constructivo de Da Vinci.

Ramon Guillen-Balmes, Model d’us para Alyssa Dee Krauss.

 

Destaco la neutralidad y nobleza en sus materiales normalmente tela de algodón, fieltro y madera. También tiene una obra titulada Las Boyas Libres son una serie de «naves» pensadas para que floten y puedan navegar de forma aleatoria. Las piezas contenían una placa donde se informaba que si alguien las encontraba se pusiera en contacto con el autor, con la dirección postal. El autor las dejaba ir en la costa, sin saber hacia dónde las llevaría la marea y el viento. Una vez mas el valor expansivo y la participación de un espectador pasivo a la ora de encontrar la obra y activo en el hecho que puede contribuir a su culminación.

Espero que las aportaciones de mis referentes artísticos o sirvan para inspiraros tanto como a mi.

Alejandro E. Abril 2021

PROYECTO I – ORIGEN I

Los trazos que esbozan mi proyecto se basan en primer lugar en la semántica.

Para crear vínculo con mis ideas y referentes, primero acudo a los diversos aspectos del significado, sentido o interpretaciones que tienen las palabras. Intento encontrar la palabra precisa para que su significado sea lo que quiero trasmitir. Normalmente acudo a la simbología y a la mitología clásica, sirven como referentes poéticos hacia lo que quiero trasmitir. La etimología es una herramienta muy útil en los primeros pasos de mis proyectos. Conceptualizar las ideas y materializarlas mediante palabras es la clave.

Una de mis semillas era LUGAR, para ello he buscado su significado en el diccionario e investigué. Pero claro la porción del espacio que sitúa algo es un punto de partida muy superficial para mí. Encontré un referente muy inspirador en la literatura griega y se trata de TOPOS como lugar común, como las conexiones umbilicales a tus orígenes. También como línea argumental.

El término AGNICIÓN en las novelas es el descubrimiento de un personaje en sus datos esenciales identitarios, que supone un cambio de conducta y que le obliga a hacerse una idea de sí mismo y de lo que le rodea. Es una manera de temporizar un lugar de origen en la obra.

Y otra semilla era TIEMPO. Y he descubierto la definición clásica de AION como tiempo eterno. Es un término que empleo bastante. Por que los Griegos antiguos tenia cuatro formas para catalogar al tiempo. Aion se refiere al tiempo que siempre está, que no podemos perderlo ni despojarlo. Estos términos remarcan, relacionan y facilitan el lenguaje concreto que quiero utilizar a lo largo del proyecto.

Estas relaciones me transportan a los orígenes, a mi tierra La Mancha,  horizonte enjuto al que cuesta volver. Los ORÍGENES, te puede costar más o menos tiempo en volver a ellos, pero siempre vuelves. Y como dice María Zambrano es un instante de angustia cuando hacia ellos volvemos pero los orígenes siempre están. (María Zambrano, Séneca, Madrid, Siruela, 1994 )

 

 

Fuentes:

Barrabino, I. Y Suárez, F. Diccionario de términos literarios, Alianza, Madrid, 1999.

Bruxelles, S. y de Chanay, H. Acerca de la teoría de los topoi: estado de la cuestión. Publicado en la revista del Centro de Ciencias del Lenguaje número 17 -18, 1998. Páginas 349-383.

Humbert, J. Mitología griega y romana. Gustavo Gilli, Barcelona, 2016.

 

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